Автор Тема: Стоимость не соответствует ценности, цена не соответствует качеству  (Прочитано 36305 раз)

0 Пользователей и 1 Гость просматривают эту тему.

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
"Продавцы вакуума"

http://www.expert.ru/printissues/expert/2007/09/prodavcy_vakuuma/

Максим Кантор, автор «Эксперт»

Мы живем в мире, где стоимость не соответствует ценности, цена не соответствует качеству, значение — внешнему виду. Рынок искусств успешно воспроизвел эти обстоятельства внутри себя.

Публикуемый ниже текст — анализ рыночных механизмов и сущности того, что именуют современным искусством. И анализ вполне уничижительный. От чьей другой непримиримости можно было бы отмахнуться; в случае с Максимом Кантором это не пройдет. Кантор не арт-критик, он арт-практик, и более чем успешный — один из самых востребованных в мире сегодняшних российских художников. На недавнем «Сотби», где продавали русскую живопись, из десятка работ, в разы превысивших заявленную стоимость, лишь одна была датирована свежими «нулевыми» — работа Кантора; прочие картины-победители созданы в 70–80−х. Выставки Кантора проходили по всему миру, картины его есть в коллекциях 22 музеев — включая Британский и Третьяковку. Вдобавок Кантор — автор знакового романа: его двухтомный «Учебник рисования» стал одним из главных литературных событий сезона 2005/2006, сейчас книга переводится на английский, французский, румынский, польский, болгарский, португальский, итальянский (Фельтринелли, говорят, специально прилетал в Москву познакомиться)…
Отдел культуры


Искусство — единственная дисциплина, в которой результат больше, чем сумма слагаемых, сформулировал один мудрец. Это значит вот что. При создании произведения искусства художник использует техническое мастерство, оригинальный замысел, опыт, знания, труд и пр. Все это необходимо для работы — но этого недостаточно. Искусство становится искусством при возникновении чего-то иррационального. В результате работы должно случиться чудо, тогда произведение оживет. Именно об этом легенда о Пигмалионе и его ожившем творении, Галатее. Именно это пытался объяснить Сезанн, когда говорил, что самое трудное в картине — «маленькое ощущение». Это «маленькое ощущение» есть не что иное, как душа. То, что присовокупляется к вложенному художником труду, есть душа произведения. Если картина не ожила, Галатея не заговорила, значит, труд художника пропал напрасно — произведения искусства не получилось. У подлинного художника все картины — живые и разные. «Блудный сын» Рембрандта наделен иной душой, нежели «Иудейская невеста» того же мастера или «Ночной дозор». Вместе произведения Рембрандта образуют семью — но никак не совокупный продукт.

Когда коллекционер приобретал «Блудного сына», он вступал в отношения именно с этой картиной. Покупатель не заказывал «типичного Рембрандта» или «двух-трех поздних Рембрандтов» — нет, он покупал именно «Блудного сына», оттого что душа произведения была созвучна его душе, заставляла ее трепетать. Любители искусства знают это чувство, когда ты захвачен произведением настолько, что дыхание перехватывает в груди. Это значит, что душа картины и душа зрителя заговорили меж собой, как души влюбленных. Отношения с картиной уникальны, как любовные чувства: любят конкретную девушку, а не типичную представительницу женского пола. Так было до возникновения рынка искусств. Натуральным обменом двигала любовь, предметом интереса являлась душа произведения, воплощенная в образе.

Диалог душ — это, конечно, недурно для небольшого круга ценителей, но что делать, когда счет пошел на миллионы голов? Демографическая проблема и демократическое общество изменили политику сбыта прекрасного: надо создавать унифицированную продукцию и продавать ее как штучный товар.

Мещанин — двигатель прогресса

Рынок искусства возник недавно. Возрождение знало заказ, но рынка не было. До семнадцатого века не существовало так называемого вторичного рынка — говорить об обороте произведений искусства было невозможно. Сравнительная стоимость выявлялась при обмене и вторичной продаже — а ни то, ни другое не практиковали. Никто не пытался перепродать Сикстинскую капеллу, картины Андреа Мантеньи не были меновым эквивалентом, Карл Пятый не обменивал свой портрет кисти Тициана на пейзаж Рубенса. Большинство произведений создавали для храмов и дворцов — продать их можно было лишь со стенами вместе, но это никому не приходило в голову. Великий скульптор Донателло с горечью констатировал, что величие искусства остается в прошлом: частный заказчик никогда не сравнится величием души с храмом. Появление такого клиента означало возникновение менового рынка и, тем самым, стандартизацию вкусов. Произведение должно быть таким, чтобы его захотел и другой клиент, и чем больше желающих, тем лучше. Иначе говоря, оно должно обладать некоей общественной душой, отвечать общественному сознанию.

Показательна судьба Рембрандта, который в молодости удовлетворял вкусу голландских буржуа, а достигнув величия, перестал — стал слишком сложен для существования на вторичном рынке.

Рынок голландской живописи семнадцатого века есть прообраз рынка сегодняшнего: сотни художников обрели тысячи заказчиков потому, что поняли (отчасти и спроектировали) общественное сознание. Бюргеры захотели увидеть себя запечатленными на полотнах — подобно тому, как прежде рисовали героев и королей. Тщеславие зрителей было утешено тем, что неказистый ландшафт, пошловатый достаток, вульгарный быт увековечены на правах мифологических сюжетов. Не античные герои, да и не стремимся — а ведь как хорошо живем, уютно, достойно. Сегодня, покупая «актуально-радикально-мейнстримную» инсталляцию, обыватель тешит себя тем, что встал в ряды модных людей, обладает раскрепощенным сознанием, идет в ногу с прогрессом. Кураторы и галеристы подскажут доверчивому буржую, как сделать интерьер прогрессивным, как разместить кляксы и полоски, чтобы создать иллюзию авангардного мышления домовладельца. И голландский бюргер, и современный капиталист будут очень обижены, если им скажут, что искусство, ими облюбованное, есть апофеоз мещанства. Любопытно, что пятна, кляксы и закорючки разом сделались понятными массе покупателей, как только выяснилось, что любовь к ним есть признак прогрессивного мышления. Те, кто опознает себя в качестве форпоста прогресса, будут расстроены, если им сообщат, что прогресса в закорючках и кляксах — нет. Как, свободолюбивые закорючки — мещанство? Как это, натюрморт с ветчиной — пошлость? А как же просвещение и свобода взглядов, которые мы пестуем? Характерно, что в общей ровной массе так называемых малых голландцев великий Рембрандт оказался лишним. Масштаб, заданный его произведениями, по-прежнему оставлял маленького человека — маленьким, а это никому не приятно. Если, глядя на интерьеры и натюрморты, заурядный бюргер воображал свою жизнь произведением искусства, то, глядя на страсти Рембрандта, обыватель видел заурядность своей биографии. Рембрандт поднял рыночную живопись Голландии на уровень великого искусства — и рынок ему отомстил, художник умер в нищете.

Импрессионисты еще больше снизили планку требований: производить великое для огромной массы третьего сословия — невозможно. Для каждого адвоката, дантиста, риелтера невозможно нарисовать «Взятие крестоносцами Константинополя», и не всякому дантисту это событие интересно. Но пейзаж с ракитой нарисовать можно, спрос на ракиты немереный. Любопытно, что обращение к уютной живописи было воспринято как революционный переход к свободному самовыражению. Величественное заменили на уютное (сообразно потребностям демократического общества) — и уютное стали считать великим. Характерно, что великие «постимпрессионисты» (Сезанн, Ван Гог, Гоген), то есть те, кто пытался вернуть уютному пейзажу героическое звучание, рынком были отвергнуты. С ними случилось примерно то же, что некогда с Рембрандтом среди «малых голландцев»: они оказались слишком драматичными для клиентов, слишком проблемными для третьего сословия.

Так называемое актуальное искусство, обслуживающее современный средний класс, завершило процесс. Теперь всякий может быть художником, всякий может стать потребителем искусства, а стоимость произведения складывается из оборота общих интересов. Новый средний класс хочет ярких символов свободы так же страстно, как некогда голландский бюргер — натюрморта с ветчиной, а французский рантье — пейзажа с ракитой. Дайте нам холст с полосками и свободолюбивую инсталляцию — мы поставим это в новой квартире, и наши знакомые узнают, какие мы прогрессивные люди.

Мещанину нужно, чтобы ему говорили, что он велик и свободен, а знать, чего стоит свобода или что где-то есть рабы, ему не обязательно.

Совокупная стоимость свободы

В Средние века создание произведения искусства было занятием трудоемким и дорогостоящим, а потребление конечного продукта — делом простым.

Прогресс все изменил. Понятие «произведение» заменили «проектом». Проект — это сложносоставной продукт, это объединенные усилия галереи, рекламы, куратора, художника, и собственно труд художника занимает в нем ничтожно малую часть. Прежде различали картины, но не интересовались личностью автора, продавали конкретные произведения, а не имена. Итальянское Возрождение проявляло мало интереса к самому творцу — внимание сосредоточивалось на его творениях. В новые времена личность артиста, его социальная роль, степень модности важнее произведения; рынок спешит донести до клиента, какую марку одежды артист предпочитает, что пьет, где проводит каникулы; этим они и различаются, а произведения — довольно похожи.

Было бы затруднительно предпочесть одну картину Мондриана другой, невозможно любить один квадрат, а другой — не любить, но всем известно, чем позиция Мондриана отличается от позиции Малевича.

Сложносоставной продукт, с которым имеет дело рынок искусств, по-прежнему именуется духовным, но духовное содержание рынок переместил из произведения в область менеджмента.

Победившее третье сословие нуждалось в галереях, объясняющих клиентам, почему данную картину надо покупать. Лоренцо Великолепный в услугах галериста не нуждался, он сам понимал, что ему нужно; а вот Журдену, который хочет быть как Лоренцо Великолепный, галерея необходима. Впоследствии галеристов потеснили кураторы — пришла пора механизации производства, массового характера художественной деятельности, и потребовались контролеры, сортирующие художественные потоки. Куратор — это уже не продавец, но менеджер по маркетингу.

Характерно, что профессия галериста при этом сохранилась, просто в искусстве возник еще один посредник. Сегодняшний рынок увеличивает количество посредников при сбыте товара обратно пропорционально труду, затраченному на изготовление продукта.

Труд художника сам по себе ничего не стоит, но, проходя через соответствующие инстанции (мнение галереи, рекомендации кураторов, сертификаты музеев), он превращается в товар. Причем каждая из инстанций имеет свой материальный интерес и, соответственно, повышает товарную стоимость изделия. Так пальто, сшитое сербскими наемными рабочими, увеличивает товарную стоимость, если его скроили в Венгрии, пришили к нему английскую бирку, а продают в России. Трудовой процесс, как правило, занимает минуты: прибить палочку, сфотографироваться обнаженным, закрасить квадратик. Однако сопутствующая деятельность (организация и презентация выставок, реклама, пресса, транспорт, страховка, каталоги, фильмы и т. п.) требует огромных денег, и стоимость этого процесса входит в совокупную цену произведения.

Соответственно, прибыль по отношению к себестоимости труда увеличивается в разы: современное искусство, производящее неодушевленный товар, значительно дороже искусства прежнего, которое возилось с процессом одушевления произведения. Разумеется, прибыль от искусства целиком зависит от менеджмента. Объявив данное искусство символом свободного самовыражения, куратор вправе рассчитывать, что цивилизация (которая провозглашает свободу своей главной целью) хорошо данный символ оплатит. Профессия куратора сделалась куда более важной для искусства, нежели работа художника, — подобно тому, как деятельность генерального менеджера нефтяной компании важнее для бизнеса, чем труд рабочего, стоящего у помпы.

<продолжение следует>
« Последнее редактирование: Март 19, 2010, 11:15:15 от Predlogoff »
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
<продолжение статьи>

Дешевая энергия — дорогой товар

У нефтяников есть труба, у металлургов — алюминиевый карьер, у чиновников есть так называемый административный ресурс, который можно продавать как газ и нефть. Так неужели автономная область производства — искусство — не может быть использована по тому же принципу?
Подход к искусству был таким же, как в нефтяной отрасли: брали дешевую природную энергию, монополизировали добычу, повышали спрос, загоняли по спекулятивным ценам. Этой дешевой энергией стало пресловутое «самовыражение», не обремененное ни знаниями, ни умениями, ни старанием. То, что однажды было предложено авангардом в качестве протеста против коммерциализации искусства, было цивилизацией присвоено и использовано для наживы. Удобство данной энергии в том, что она исключительно легко добывается — практически из любого персонажа, объявленного художником. Разумеется, в этих условиях возрастает роль посредника — того, кто имеет право выдавать сертификат на качество энергии.

Сначала занялись авангардом двадцатых. На вторичный рынок выбросили немереное количество продукта, производили его штабелями. Я был свидетелем того, как директору Бохумского музея прислали факс с репродукцией картины Малевича. Директор отреагировал: а где же на картине подпись? Следующий факс пришел уже с подписью.

Известная коллекция русского авангарда, собранная Харджиевым, была тайно вывезена из Москвы, легализована на Западе стараниями заинтересованных субъектов, а по пути следования увеличилась в несколько раз — трудно ли нарисовать дополнительные квадратики? Известные эксперты авангарда зарабатывали на атрибуциях подделок — это приносило стабильный доход. Самодельный авангард отмывался через музейные выставки и аукционы — и количество посредников в сделке не уступало цепочке лиц, участвующих в реализации нефтепродуктов.

Но подлинный расцвет художественного рынка связан с постоянным производством дешевой энергии — так называемого второго авангарда, символа свободы победившей демократии. Высказывание Энди Уорхола «В будущем у каждого будет пятнадцать минут славы» стало руководством к производству и сбыту. По сути, стратегия современного художественного рынка повторяет стратегию финансовую: замена золотого стандарта на бумажный эквивалент. Во имя движения вперед следует напечатать много купюр без обеспечения, все равно завтрашний прогресс заставит печатать новые.

Устаревшие институты (Министерство культуры, союзы художников) были разумно замещены «школами кураторов» — собраниями тех, кто инициировал художественный процесс. Подобно тому, как золотоискатели огораживают колышками участок добычи, кураторы обозначили участок девственной природы — будущую фабрику звезд. Отменить предыдущую историю искусств, забыть унылых пейзажистов и портретистов было тем легче, что за словосочетанием «союз художников» вставал призрак казарменного общества. Но мы-то теперь строим общество свободы и прогресса! А прогресс можно обслуживать только актуальным искусством, не так ли? Следует начать с нуля — только с неокрепшими душами, не обремененными знаниями истории искусства, можно шагнуть вперед. Так возник проект «актуального искусства», соответствующий стандартам художественного рынка развитых капиталистических стран.

Правда, не прошло и десяти лет, как новоявленные чиновники в точности воспроизвели алгоритмы советской власти: вошли в советы и комиссии, стали друзьями мэра и банкиров, обросли связями в правительстве. Теперь никого не смущает, что правительственный скульптор Церетели открывает Музей современного искусства. Какие могут быть противоречия? И то, и другое — актуальное искусство.

Поскольку демократическая цивилизация постулировала, что в искусстве есть прогресс, а прогресс достигается самовыражением, появился прямой смысл рекрутировать молодую рабочую силу — но и старых мастеров добычи забывать не следует. В конце концов, самовыражение у всех одинаковое.

Незадолго до смерти Пикассо опубликовал письмо, которое не любят цитировать, а когда упоминают, выдают за шутку гения. Написал он следующее: «Настоящими художниками были Джотто и Рембрандт, я же лишь клоун, который понял свое время». Пикассо довольно желчно описал послевоенное поколение — мальчиков, которые любят новые марки машин и спорт, зачем таким искусство? Феномен рынка искусств свелся к перманентному развлечению — и надо этому соответствовать. Тот, кто сможет кривляться, останется на плаву, «прочие не будут опознаны как художники». Письмо наделало много шума: автор — весьма известный художник (правда, отодвинутый несколько в сторону новыми американскими коллегами, в то время мода как раз сместилась в Штаты). Известный критик ответил художнику открытым письмом «Пикассо, вы смеетесь над нами!». Критик пытался доказать художнику, что искусство неуязвимо: «Позвольте, искусство бессмертно! А ваши голубки, ваши арлекины, ваши влюбленные?». Пикассо умер, спор остался незавершенным. Проживи художник чуть дольше и имей возможность наблюдать показательный альянс Эрмитажа с музеем Гуггенхайма в Лас-Вегасе, он бы нашел что ответить.
Где влюбленные? Где-где, в Лас-Вегасе.

Взаимные гарантии неподлинности

У галериста (как у всякого продавца) есть две несовместимые задачи: продвинуть товар, но не дать производителю сменить посредника. Выполнить их просто, поскольку художник создан галеристом, но и трудно, поскольку художник начинает верить в то, что он творец.

Официально галерист забирает половину стоимости продукта, на деле гораздо больше: художник оказывает покровителю массу дополнительных услуг: декорирует резиденцию, сочиняет подарки к именинам, публично демонстрирует преданность. Такие неуставные отношения есть реальность художественной жизни, хотя с искусством связаны мало. Более всего это напоминает труд солдат на генеральских дачах — кладка забора, безусловно, является армейской службой, но к ратному делу не относится. При этом галерея тщится играть роль двора Медичи или Гонзага, хотя оснований для этого мало. Галерист — посредник, именно в качестве посредника востребован, но, чтобы его деятельность была успешной, он должен представляться законодателем вкусов. Ситуация забавная: зависимый человек, ищущий покровительства банкиров и чиновников (галерист), опирается на стоящего ниже себя на социальной лестнице (художника), чтобы улучшить собственный имидж.

Галерист снабжает вывеску заведения перечнем «своих» художников — у крупных воротил этого бизнеса такой список наполовину состоит из имен известных покойников. Делают так затем, чтобы имена живых оказались в выигрышной компании. Скажем, галерея приобретает литографию Пикассо и офорт Дали — вещи, вообще говоря, тиражные. Однако это дает право в художниках галереи указывать Дали, Пикассо, Пупкина и Попкина — незаурядный набор имен. Подобные перечни схожи с известным списком Павла Ивановича Чичикова, но никто не хватает галериста за руку: все вокруг торгуют мертвыми душами. Чтобы фальшивые списки поднялись в цене, галерея пропускает собрание через музей — отмывает его так же, как рэкетир неправедно нажитые деньги в ресторане и казино. Чтобы музей принял сомнительное собрание, его директора связывают обязательствами правительственные чиновники и банкиры. Чтобы банкир или чиновник был заинтересован в современном искусстве, он должен бояться оказаться немодным и не соответствовать общему положению дел.

Ирония ситуации состоит в том, что все участники современного художественного рынка повязаны взаимным страхом и круговой порукой: невозможно одного из участников уличить во вранье, чтобы не посыпалась вся сложная система отношений и ценностей. Мои квадратики — неподлинные? Позвольте, а ваши рейтинги что, настоящие? Мои рейтинги ненастоящие? А ваши деньги, простите, какого происхождения?

Нельзя сказать, что папы и короли былых времен были честнейшими людьми, но они не были трусами, искусство заказывали от широты душевной — а не пряча краденое. История искусств сохранила для потомков имена великих пап и королей, незаурядных заказчиков великих творений; история искусств помнит отчаянных коллекционеров, собиравших вопреки общему мнению непризнанные шедевры. Однако история искусств практически не помнит владельцев галерей — чтобы быть успешным, галерист должен проявлять такие человеческие качества, которые величию не способствуют. Впрочем, современный рынок нуждается не в величии, а в адекватности.

Время кураторов

Ежегодно в мире проходят десятки ярмарок, актуальное искусство устраивает смотры достижений. Галереи, подобно домам моды, выставляют осенние и зимние коллекции — предлагается соответствовать лучшим образцам. Парадокс состоит в том, что лучшее не значит великое. Великие произведения больше никому не нужны: великое ставит под сомнение продукцию соседа, быть великим невежливо и недемократично. Комиссар биеннале авторитетно утверждает: великих художников больше нет. И не нужны они свободному обществу — но сколь же возросла роль куратора!

Вот куратор стоит под лучами юпитеров, суровый человек, проницательный и адекватный. Почему-то кураторы внешним видом своим копируют киногероев (тяга казаться героическим сохранилась, хотя героизм и отменили) — они одеваются в темное, сжимают губы в ниточку и буравят пространство взглядом. Можно подумать, они сделали в жизни нечто бескомпромиссное и героическое, но нет, не сделали и никогда не сделают. Их общественная роль — уберечь рынок от героического и великого. Сообразно убеждениям и сущности кураторам бы надо носить байковые пижамы в горошек, они же рядятся в черные бушлаты десантников.

Настало время кураторов —не творцы, а они, некогда маленькие незаметные служащие, теперь правят бал. Уж они искусству попомнят! Уж они поставят на место этих выскочек. Вообразите такую страшную сказку: ожившую Галатею заставляют окаменеть заново, из произведений искусства — картин, статуй, рисунков — специальным прибором изымают душу, то самое «маленькое ощущение», которое искал Сезанн. Отныне душой искусства (смыслом, содержанием, гордостью, страстью) распоряжается ведомство кураторов. Отныне искусство будет дополнением к концепциям кураторов, правда, у кураторов нет оригинальных концепций, кураторы хороши тем, что они стандартные люди, — такая вот у нас сложилась ситуация. Так однажды уже старались сделать комиссары при советской власти — внедряли цензуру; у них, правда, не получилось. Теперь получается лучше, потому что у рыночного демократического общества задачи обширнее — величие изымается отовсюду: из политики, из творчества, из жизни вообще. Рынку нужны адекватные функционеры.

Распространено мнение, будто рынок двигает искусство, помогает выявить лучшее произведение. На деле все обстоит прямо наоборот — рынок всегда способствовал забвению крупных художников, концентрируя внимание на салоне. Салон (то есть усредненное представление о моде и потребностях общества) побеждал всегда. Штучный товар рынку неинтересен: Боттичелли, Эль Греко, Рембрандт были забыты и умерли в нищете. Один из величайших художников человечества Козимо Тура (сегодняшний читатель не знает этого имени, зато знаком с успешным фигурантом рынка Энди Уорхолом) на склоне лет писал жалкое письмо, адресованное синьору Эрколе д’Эсте, в котором просил три (!) дуката. Не получил.
Судьбы Ван Гога, Модильяни, Филонова наглядно демонстрируют возможности рынка.

Никакой сегмент рынка не существует отдельно от рынка в целом, в том числе рынок искусства непосредственно связан с основными пунктами торговли — рынком войны, рынком власти, рынком финансов. Надо принять как факт то обстоятельство, что нездоровое общество, принимающее неравенство и нищету внутри самого себя, но вразумляющее далекие народы при помощи убийств, поощряет самовыражение своих подданных в суммах, превышающих стоимость жизни многих бедных людей. Это не такое сложное уравнение, как кажется. Человек, обученный считать прибыль, может учесть и эти обстоятельства. Декоративная функция, которую выполняет искусство, не случайна: многие вещи хорошо бы спрятать, о них хорошо бы не думать. Дикое существование искусства в современном западном обществе довольно точно воспроизводит феномен, описанный выражением «потемкинская деревня».

Мы живем в мире, где стоимость не соответствует ценности, цена не соответствует качеству, значение не соответствует внешнему виду. Рынок искусств успешно воспроизвел эти обстоятельства внутри себя.

Инсталляции Дамиена Херста стоят дороже, чем картины Петрова-Водкина или Модильяни, бессмысленный холст Джексона Поллока стоит больше, чем великий холст Рембрандта, — и это происходит ровно потому же, почему пенсии дешевле, чем обед в ресторане.

Если принять логику, по которой самое могущественное государство, являющееся гарантом свободы в мире, законодателем моды, мерилом справедливости, тратит на войну в десятки раз больше, чем на мир, — если принять эту логику за норму, то можно пережить и логику художественного рынка.

<конец статьи>
« Последнее редактирование: Март 19, 2010, 11:16:25 от Predlogoff »
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Перечитал сейчас эту статью ещё раз - и опять меня поразила аналогия рассматриваемых в ней проблем и гримас современного "общества потребления" с проблемами и гримасами, рассматриваемыми В.Мартыновым в его книгах, статьях и интервью.
Кое-что мне хотелось бы выделить и рассмотреть подробнее, кое-что из рассмотренного хотелось бы гиперболизировать и желчно высмеять, связав также с режоперой и прочими "прелестями художественного бытия".
Быть может, я это сделаю, но чуть позже, однако уже сейчас ясно, что не композиторское творчество, не опера, не живопись - ВСЁ ИСКУССТВО В ЦЕЛОМ находится в жутком кризисе. И надо стремиться не подыгрывать тем игрушкам, которые нам подкидывают "кураторы искусства", а противостоять им.
Если мы свободомыслящие люди, конечно ! :)
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Как раз настал психологический момент для того, чтобы рассказать о моём посещении выставки изобразительного авангарда в "Гараже", о чём я начал говорить вот тут:

Я побывал в "Гараже" на выставке "Русские утопии", которая представляет собой изобразительные "Вариации на темы русского авангарда" начала 20-го века.
Какое-то торжество пошлости, но погулял там с интересом - по крайней мере, я теперь "в курсе", что ничего "нового" в этой области не происходит. Многие найдут странным, зачем туда ходить, если заранее всё известно: парадокс в том, что, как отмечал Тарнопольский в применительно к композиторскому авангарду, "у авангарда имеется СВОЯ "классика" - классика авангарда". Я хотел убедиться в том, что как композиторский авангард не имеет отношения к "музыке" и так и не превратился ни в какую "классику музыки", так и авангард изобразительный имеет тоже СВОЮ "классику", и что он тоже так и не превратился в "классику живописи" и принципиально не может иметь к ней никакого отношения. Изобразительный авангард тоже имеет свою "классику" - классику авангарда. Обособленную и ни во что не вписывающуюся. Как авангард композиторский это НЕ "музыка", так и авангард изобразительный это НЕ "живопись" и не "художество".
Впечатления изложу завтра или на днях, однако срезу хочу предупредить, что "излагать" особо нечего, т.н. ничего "нового" я там не увидел: всё та же безвкусица, всё тот же выпендрёж, всё то же псевдофилософствование, которое само в гораздо бОльшей степени является "произведением", чем то, что оно словесно описывает и "объясняет".
Полное повторение ситуации с авангардом композиторским: там то же самое было и ЕСТЬ ! :))


Да, кстати, что такое "Гараж" - это и в самом деле гараж ! :))
Вот инфо про гараж:

http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%91%D0%B0%D1%85%D0%BC%D0%B5%D1%82%D1%8C%D0%B5%D0%B2%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D0%B3%D0%B0%D1%80%D0%B0%D0%B6

Вот про "Центр современной культуры" в этом гараже под названием "Гараж":
http://www.garageccc.com/

Как я сказал выше, ничего "нового" я там, разумеется, не увидел: на входе обыск с металлоискателем; у каждого предмета экспозиции - охранник; при входе в экспозицию - "авангардистские иконы" в виде подсвеченных (!) с обратной стороны полотен "Крест" и "Крестьянка" Малевича (подлинники с постоянно подвывающей сигнализацией).
Ну точно: так сделано, чтобы они "воссияли", аки иконы.
Но дальше экспозиция заполнялась, что называется, "по вдохновению".
Например, в одном из помещений расположен большой куб с ребром около 2 метров, герметично закрытый со всех сторон, из которого раздавались какие-то сдавленные вздохи и нечленораздельные слова, записанные на диктофон и выдаваемые внутрь куба на динамик. Надо подходить и слушать, ибо смотреть особо не на что. Прилагаемое к нему "философское обоснование" повествовало о неких проблемах, таимых человеком внутри себя.
В отдельной комнате была размещена объёмистая фигура двоякого свойства. На стене светящимися и такими же по размеру чёрными толстыми трубками было выложено некое подобие пирамиды органных труб (напоминающих трубы муз.инструмента) - а на полу тут же перед ними и такими же трубками было выложено то же самое, но инверсно: то, что светилось на стене, тут было чёрным и наоборот. Подойдя к этому шедевру, я глубоко задумался, что бы это могло означать ? В чём тут "соль" ? Если не прочитать "философское обоснование", то додоматься невозможно, ибо выяснилось следующее: что вся "соль" состоит в том, что автор сией "инсталляции" занимался вопросами нефти, поэтому наполнил чёрные трубки своей инсталляции ...... нефтью.
В этом и была "соль".
"Гениально", - подумал я и перешёл к следующему экспонату. Он изображал, как сказано в пояснении, остатки советского праздника, через забытые декорации которого проросли деревья и т.д., что долженствовало символизировать безвозвратно ушедшее советское прошлое или что-то в этом роде. Называлось это всё "Роща" или как-то похоже, честно говоря, я не запомнил, а записывать не было нужды. Ну не знаю: претензий много, но реализация, на мой взгляд, хромает - без пояснений ни за что не поймёшь, что тут такое выставлено.
Там были и ещё другие вещи в этом же духе: например, в отдельном полукруглом помещении на заднем плане в виде широкой панорамы изображены (нарисованы на громадных листах бумаги) разбитые скульптуры советской эпохи, которые должны были символизировать нереализованность советских обещаний - там и пионеры, и культуристы, и спортсмены какие-то, передовики и ещё что-то - не в этом суть. А суть в том, что всё это расположено в виде изображений полукругом диаметром в несколько метров, а перед этим полукруглым изображением....... насыпан натуральный уличный грунт. Я тут же подумал, что для вящей "правдоподобности" желательно было бы выгулять тут кого-нибудь, чтобы добавить этой инсталляции "аромата". Но сделать это было нельзя: экспонат тщательно охранялся.
Да, кстати .........
Откуда у них столько денег на такую охрану выставки и на такую организацию ? Кто кидает громадные средства на всю эту белиберду ? Зачем ? В Эрмитаже (в Петербурге в Зимнем дворце) на страже невероятных ценностей мирового значения в залах, известных на весь мир, сидят какие-то дряхлые старушки, а тут молодые парни за - можно себе представить, какие - деньги ! - охраняют эту лажу. Вообще, я был искренне поражён всем этим: не столько даже выставкой, сколько её охраной. Казалось бы, никому это и даром не нужно, а сколько пафоса ......
Ну остальное всё в том же духе: там и "самодвижущийся" экспонат, изображающий ещё одну "авангардистскую икону", но сделанную в виде мультика - на ней все эти штучки, колбочки и клинышки движутся, сопровождаемые звуками, взятыми из  порнографического видео (в пояснении упомянуто, что это означает "иронию"); там и погружённые в жидкость конструкции, и красно-бело-чёрная инсталляция в воткнутыми в пол обломанными крыльями самолёта, обставленными маленькими (настольного формата) скульптурками Сталина, там и странные "киносеансы", изображающие какую-то жуткую "очередь", содающую "живые скульптуры" и совершающую какие-то странные повторяющиеся ритуалы, сопя друг другу в лицо и в затылок, ну и т.п. В одном из залов была представлена инсталляция "Взрыв": где сам, собственно, "взрыв" был набран из длинных деревянных досок, перевязанных посередине и образующих своей совокупностью ершистый деревянный шар ! :))
Были там, правда, и более интересные картинки, представляющие собой "живопись": например, цикл картин о молодости и здоровье, изображающий конкурсы красоты (жуткие зубастые красавицы с искажёнными напряжением лицами) и мужские культуристские показы, причём, в примечании сказано, что коричневый фон означает "фашистский" оттенок, якобы имеющийся во всех этих "мероприятиях". Ну не знаю: живопись так себе, а насчёт мерещущегося повсюду "фашизма" - это какой-то больной пунктик всей нашей авангардистской тусовки. Такое впечатление, что скоро всем, кто ещё жив, скажут, что он "фашист" только потому, что ещё не в могиле валяется.
Вообще, всё это довольно странное впечатление производит: собрались какие-то странные люди, именующие себя "творцами", другие странные люди, именующие себя "спонсорами", дали им денег на эту экспозицию, а затем выделенное пространство заполнялось буквально чем попало.
Как можно видеть даже из моего описание, многие "идеи" столь откровенно примитивны, что даже вызывает удивление, как их авторы осмелились выставлять подобное убожество на всеобщее обозрение, называя это "искусством" ? По-видимому, для этого необходимо обладать полнейшими - то ли бесстыдством, то ли наивностью.

Я там был не один, и уже в процессе шествования между экспонатами мы решили, что всё это ФУФЛО примерно такое же, как и композиторский авангард, а может, даже и хуже ! :))
Но что любопытно: сама обстановка этого "Гаража", само неторопливое шествование между экспонатами и обмен язвительными характеристиками по их поводу, коллективное зачтение "философских обоснований", заставлявшее нас корчиться в судорогах смеха от убийственного несоответствия их напыщенности и убогости их предмета - всё это, безусловно, забавно и абсолютно не напрягает.
Я мог бы рассказать ещё и о других экспонатах - но очень ли это надо ? Вот только что Кантилена написала, что мы и в композиторской области рассмотрели далеко не всё - а очень ли надо рассматривать "всё", чтобы рассуждать вполне адекватно "обо всём" ? Что "нового" можно узреть при переходе от одной лажи к другой ?
Посетив эту выставку, я ещё раз убедился, что "авангард" топчется там же и на том же, что было полвека назад, и что никуда он с тех пор так и не двинулся "вперёд". Т.е. "прогрессу нету никакова".
Как пишет опять же автор вышецитированного отклика на авангард композиторский, это всё то же промышленное неприятие буржуазии, которое выливается всем нам в отместку ещё с 20-30-х годов. Благо мне от "Гаража" до дома удобно ехать - да и вообще, хорошо, что я живу в Москве сравнительно неподалёку от всех этих выставок: раз ! - и я уже дома, а ведь кто-то едет издалека любоваться всем этим, тратит своё время, силы........
Вот так и подумаешь: а к чему это всё ? :)) Один раз посмотрел - и уже всё ясно: можно прийти ещё через полвека, а оно будет всё на том же месте топтаться, только имена авторов будут другие и предмет лажи будет другой, а "качество" лажи будет всё тем же - прежним.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Loki

  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 1 920
  • Mundus universus exercet histrioniam

Незадолго до смерти Пикассо опубликовал письмо, которое не любят цитировать, а когда упоминают, выдают за шутку гения. Написал он следующее: «Настоящими художниками были Джотто и Рембрандт, я же лишь клоун, который понял свое время».

Весьма ценное по своей откровенности - и точности - признание.
«Solches ist aber nicht für lange Ohren gesagt. Jedwedes Wort gehört auch nicht in jedes Maul» (Friedrich Nietzsche)

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Весьма ценное по своей откровенности - и точности - признание.

Вот видите, а почему он так точно выразил эту мысль ? Да потому что он сам знал себе цену, поэтому, говоря это, он вовсе не кривлялся.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
http://www.lenta.ru/story/zapret/

Уместно названная "Запретное искусство" выставка экспонатов, отвергнутых российскими музеями и галереями в 2006 году по цензурным соображениям, привела к череде громких скандалов. Организаторам проекта - Юрию Самодурову, директору центра имени Сахарова, где проходила выставка, и куратору Андрею Ерофееву - прокуратура предъявила обвинение в разжигании религиозной вражды. Ерофеева уволили с должности заведующего отделом новейших течений в Третьяковской галерее, а Самодуров сам покинул пост директора центра имени Сахарова, попечители которого зареклись когда-либо проводить что-то подобное "Запретному искусству". В июле 2010 года Самодурова и Ерофеева признали виновными и приговорили к штрафам в 200 и 150 тысяч рублей соответственно.
=============================================


Собственно, провокаторам всех мастей надо давать жёсткий отпор. И это правильно.
С другой стороны, если маргинальное искусство существует, значит в нём имеется какая-то потребность и у него есть свои потребители. Думаю, запрещать его было бы неправильно. Но ! Популяризировать его тоже не следует, однако и раздувать из него провокацию тоже нельзя позволять.
Что же делать ?
Я полагаю, что катакомбное искусство всегда будет в том или ином виде существовать при любом политическом режиме, бороться с ним бессмысленно и даже вредно. Однако проводить его акции следует разрешать в специально отведённых местах. Вот, к примеру, порнография же продаётся в специально отведённых для этого местах, или, допустим, секс-игрушками ведь тоже торгуют, но нельзя же фаллоимитаторами торговать в супермаркетах, а порнографией - в "Детском мире".
Мне кажется, всему своё место.
Выставки, подобные проектам "Осторожно, религия" или "Запретное искусство", должны проводиться по предварительной договорённости для узкой группы лиц по пропускам и пригласительным билетам, выдаваемым строго адресно, тогда и эксцессов никаких не будет. В конце концов мало кому интересный междусобойчик не должен становиться фактом общественного сознания и вызывать нездоровые страсти в широкой публике.
Кстати, последнее к композиторскому авангарду и прочим звуковым провокациям тоже относится !
« Последнее редактирование: Июль 14, 2010, 00:48:55 от Predlogoff »
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
23 Ноября 2010 г.
Голый музей
В Москве открыли выставку, где пустота превратилась в самое дорогое произведение
СЕРГЕЙ СОЛОВЬЕВ

http://www.newizv.ru/news/2010-11-25/136807/

В Музее современного искусства начала работу выставка британского художника Мартина Крида. Это зрелище для российской столицы необычно вдвойне. Во-первых, к нам привезли не какую-то вышедшую в тираж знаменитость, а одного из самых актуальных мастеров сегодняшнего дня. Во-вторых, работы господина Крида никак не вяжутся с нашим представлением о том, как должно выглядеть настоящее искусство. Мало того что здесь нет ни рам, ни масла, порой в зале нет вообще ничего. За что же в случае с Кридом платят зрители и коллекционеры?

Если бы Мартин Крид в свое время не получил одну из самых престижных арт-премий мира – Тернеровскую, большинство посетителей музея на Петровке сочли бы, что над ними попросту издеваются, предоставив весь верхний этаж шарлатану. Как еще можно реагировать на картонные коробки (на фото), склеенные вместе (одна другой меньше) и поставленные в центре пустого белого зала? И это после того, как знающий человек увидел, сколько материальных и человеческих ресурсов ушло на один только двор музейного особняка, заставленный произведениями Зураба Церетели. Но в том, однако, и парадокс кридовских работ: они работают исключительно на контрастах. На том, чего в музеях видеть не привыкли, на том, что вообще видеть не дано.

О самое первое произведение зритель буквально спотыкается. Поперек коридора стоят переносные качели – те, что можно купить в любом дачном супермаркете. Они частично загораживают вход в зал. Перед нами, как выясняется, реальное произведение – «Объект, частично перегораживающий вход в зал». Дальше, непосредственно в зале, стоят восемь метрономов, которые отстукивают разные ритмы (название будет понятно всем, кто знает нотную грамоту–Largo, larghetto, adagio, andante, moderato, allegro, presto, prestissimo). Аритмия стоит дикая. В следующей белой комнате в стену рядком вбиты шесть гвоздей, отличающихся по размерам. Красота острых форм.

Не нужно быть семи пядей во лбу, чтобы понять, откуда происходят эти кридовские подмены и ребусы. Их чаще всего сравнивают со знаменитым жестом Марселя Дюшана – превращение писсуара в экспонат (теперь это самое знаковое произведение ХХ века). Британский художник определяет свою затею как «ситуацию объектов»: совершенно не подходящий для «высокого искусства» предмет (вроде писсуара) вдруг оказывается на музейном пьедестале. Впрочем, если у Дюшана в 1912 году рэди-мейд агрессивно вторгался в галерею и бил зрителя под дых, Крид скорее щекочет нервы, вызывает ухмылку. Как еще относиться к произведению «Смех, раздающийся из динамиков»? Ведь оттуда и впрямь несется смех.

Каждую новую работу художник обозначает цифрой – это вроде как концептуальный жест (не давать лишних зацепок, избавиться от литературности) и в то же время ирония по отношению к абстракционистам, которые любят называть пятна и полосы на холстах «композициями» № 1, 2, 3 и т.д. Художник превратился в того самого портного из сказки, который шьет королю «невидимые» платья, но при этом никак не разоблачается. Просто в тронный зал не пускают детей.

К слову, московские зрители ведут себя скорее как дети. В гробовом молчании публика проходит нижние этажи музея, где выставлены китчевые вещи заслуженных академических мастеров, чтобы по-настоящему «оторваться» на верхнем у Крида: каждый пытается предугадать, что его ждет в новой комнате. Оттого гомон тут не смолкает. Особый аттракцион – комната, на четверть заполненная надутыми шарами. И опять же принимай, как хочешь: хочешь – в виде игровой площадки, а хочешь – в глубоком философском ключе – эдакое удвоение пустоты.

Однако самое знаменитое произведение мистера Крида – то, что получило премию, – затесалось где-то посредине. Оно имеет номер 227 и называется «Включение и выключение света» (2001 год). Не трудно догадаться, что вы окажетесь в комнате, где периодически то вспыхивает, то гаснет свет. Когда «Тернер» достался Криду, критики шутили, что впервые в истории наградили воздух. Однако они же потом превознесли это произведение на уровень «Черного квадрата» Малевича: нигде с такой прямотой не заявлялось рождение произведения буквально из ничего (прямо по Библии – сначала отделить свет от тьмы).

Помимо чисто просветительского посыла (познакомить публику с арт-звездой), у выставки есть еще один поучительный момент. На ней постоянно задаешься вопросом: почему наши художники так не могут? Почему не обладают внутренней свободой, чтобы играть с пространством музея? Увы, но в отличие от англичан они до сих пор используют залы музеев и галерей как плацдарм, чтобы скорее перебраться оттуда в особняки и спальни.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Рабочие выбросили на свалку произведение современного искусства, сочтя его за мусор

http://www.lenta.ru/news/2011/02/17/cactus/



Рабочие выбросили на свалку произведение современного искусства в виде двухметрового кактуса из стекловолокна, приняв его за мусор, сообщает местный телеканал KRQE News. Кактус был установлен в парке города Альбукерке в американском штате Нью-Мексико.
Кактус пропал 14 февраля, и городские власти решили, что скульптуру украли: сюжет об этом был показан в местных новостях. Увидевшие его рабочие сообщили руководству, что кактус никто не крал: они отправили скульптуру на свалку. По их словам, кактус пострадал от рук вандалов, и они решили его выбросить.

Скульптура была изготовлена летом 2010 года в рамках арт-проекта, оплаченного городскими властями, которым кактус обошелся в 50 тысяч долларов. Эти деньги пошли на оплату услуг художника, руководившего проектом, материалов и стипендий учащимся творческих мастерских, работавших под руководством художника. Создание кактуса заняло у них два месяца.

Представитель администрации Альбукерке Крис Рамирес заявил, что власти распространят в городских учреждениях специальные напоминания о том, что в городе реализуется около 650 арт-проектов, чтобы предотвратить подобные инциденты в будущем.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
произведение искусства приняли за дрова
« Ответ #9 : Февраль 21, 2011, 23:23:54 »
Канадский лесоруб принял произведение искусства за дрова

http://lenta.ru/news/2010/12/02/firewood/



Лесоруб из города Саквилл в графстве Вестморленд канадской провинции Нью-Брансуик по ошибке принял произведение искусства за заготовку для растопки печи, сообщает The Canadian Press. 59-летний Рон Фаи собирался демонтировать и забрать с собой части деревянной скульптуры, однако местные власти запретили ему сделать это.
Фаи рассказал, что первоначально получил разрешение на то, чтобы забрать то, что казалось ему дровами. Соответствующий документ он получил от специалистов из местного университета, ведающего ресурсами лесопарковых зон Саквилла, еще в августе. Однако за дровами лесоруб отправился только в конце ноября.

Когда он начал разбирать скульптуру, к нему вдруг подошел представитель местных властей, который поинтересовался, какое право Фаи имеет на демонтаж произведения искусства. Лесоруб растерялся и понял, что произошла какая-то ошибка.

Как ему пояснили, он позарился на стволы, которые оказались частью скульптурной композиции "Deadwood Sleep", выполненной местным художником Полом Гриффином. "Мне разрешили забрать дрова. По мне, так это просто стволы деревьев. Я же не знал, что это произведение искусства. Выходит, я бескультурный", - отметил канадец.

"Deadwood Sleep" появилось в парке Саквалла три года назад. По словам автора произведения, работа, представляющая собой лежащие друг на друге стволы клена, должна демонстрировать слияние искусства и природы. Рядом со сложенными стволами находится уже высохшее дерево, в которое забиты гвозди.

Пол Гриффин подчеркнул, что он не обижается на попытку Рона Фаи разобрать его скульптуру. "Я и сам был дровосеком. Так что эта ситуация даже кажется мне забавной", - заявил художник.

«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
А.Троицкий заклеймил актуальное искусство
16 марта 2011

http://www.nvspb.ru/stories/troickiy-zakleymil-aktualnoe-iskusstvo-44652

Троицкий:
- В Москве я же давно ничего не покупаю – модные галереи актуального искусства, за редчайшим исключением, я считаю надувательством. Сплошной Мавроди!

Впрочем, и в Америке актуальные художники Троицкого не впечатлили. Как-то приехав в Нью-Йоркский университет с лекциями, он обнаружил, что у него образовалась масса свободного времени, которое некуда потратить. Троицкий решил походить по художественным галереям в районе Челси – и обошел их за несколько дней около сотни.

Троицкий:
– За редчайшим исключением там не на что было смотреть – ни уму ни сердцу, – посетовал Артемий. – Висят огромные картины, мимо которых надо проезжать на велосипеде. Галереи абсолютно пустые, покупателей нет. Ради интереса подходил, интересовался, что к чему? «Оу!» – говорил мне радостно какой-нибудь сотрудник и начинал убеждать в том, что я вижу перед собой обалденного художника. Притом что художник был полное г… А цены от 10 тысяч долларов и до 100–150 тысяч. Кто покупает эти работы, я не знаю! Равно как не понимаю, кто покупает большинство наших художников? Возможно, какие-то корпорации, которые украшают свои фирмы. Я считаю актуальное искусство занудным, скучным, конъюнктурным, сложным и вообще исключительно делом маркетинга, а не делом искреннего творчества и таланта.

---------------------------------
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Газета "Коммерсантъ", №59 (4600), 06.04.2011

http://www.kommersant.ru/doc/1615060 
 
Авангард плетется в обозе

Christie's распродал шато де Гурдон

В Париже в здании эпохи ар-деко, дворце Токио, на протяжении трех дней и вечеров распродавали коллекцию частного музея — французского замка Гурдон. Результат торгов не удивил побывавшую на них СУРИЮ САДЕКОВУ.

К самой крупной распродаже коллекции эпохи ар-деко готовились почти полгода. Итог аукциона должен был определить пути дальнейшего развития этой части мебельного арт-рынка. Ведь на торги коллекцию выставил тот, кто на протяжении последних десяти лет выступал в роли самого активного покупателя, не стоявшего за ценой. Целью Лорана Неро, владельца замка Гурдон, было получить только самое лучшее.

Первоначально эксперты аукционного дома Christie's рассчитывали выручить за коллекцию €40-60 млн и даже надеялись превзойти результат другой громкой продажи коллекции ар-деко — собрания четы Дрей. В 2006 году Christie's распродал это собрание, получив €59,6 млн, что превосходило все ожидания. А ведь по количеству лотов и разнообразию имен мастеров коллекция четы Дрей сильно уступала собранию замка Гурдон.

Несмотря на полный аншлаг в зале, покупатели заняли выжидательную позицию. Первый лот ушел с превышением эстимейта. Консоль работы Жозефа Шаки оценили в €60-80 тыс., продали за €105 тыс. Однако господин Негро приобрел ее в прошлом году на аукционе Artcurial за €136 тыс. Затем отдали должное вещам Эмиля Жака Рульманна. Этот классик из классиков эпохи ар-деко на арт-рынке знал и взлеты, и падения. Нынешние торги укрепили позиции Рульманна. Его шезлонг "на лыжах", созданный в 1929 году для махараджи Индор, был куплен неким европейским коллекционером за €2,8 млн, установив тем самым мировой рекорд на работы мастера. Двенадцатью годами ранее этот же самый шезлонг был приобретен галеристкой Шеской Валуа за 2,3 млн франков, то есть почти в семь раз дешевле. Но зато тогда же, в 1999 году, комод Lassale Рульманна был продан за 3,7 млн франков (около €565 тыс.), удивив своей ценой критиков. Теперь на Christie's коллекционер из Азии купил этот же самый комод за €1,2 млн. Суперклассический стол Tardieu работы Рульманна отправился в галерею Шески и Боба Валуа, галеристы заплатили за него €2,3 млн. Как обычно бывает на торгах ар-деко, одну из самых активных ролей в них играли галеристы. Ведь именно благодаря Валуа на торгах коллекцией Ива Сен-Лорана кресло Эйлин Грей было продано за €22 млн.

На этот раз парижанка ирландского происхождения Эйлин Грей, чьи работы после упомянутого рекорда пользовались неизменным успехом у покупателей, оказалась в аутсайдерах. Хрестоматийное кресло Transat, созданное Грей в 1926 году, не было продано, а письменный стол, оцененный экспертами в €500-700 тыс., ушел лишь за €397 тыс. Годом раньше один из вариантов этого стола был продан аукционным домом Sotheby's за €504 тыс. Среди непроданных оказались торшер работы Пьера Шаро "Монахиня", столик для игры в шахматы Жана Дюнана и ковер, созданный по эскизам Фернана Леже.

Торги установили 13 мировых рекордов и дали в итоге €42 млн. Однако общий рекорд аукциона коллекции супругов Дрей не был побит; торги вряд ли принесли хоть какой-нибудь выигрыш господину Негро. Супруги Дрей заинтересовались коллекционированием предметов стиля ар-деко в середине 1980-х, когда цены на этот период искусства находились еще в рамках разумного. А собрание Лорана Негро, выставленное на торги под именем "коллекции замка Гурдон", создавалось в эпоху ажиотажного спроса.

В самые последние годы считалось, что буржуазный ар-деко, который связан с именем Рульманна, вышел из моды, а авангардистские вещи Эйлин Грей и других модернистов набирают силу. Оказалось, что это политика галеристов, а коллекционеры по-прежнему готовы выкладывать огромные суммы лишь за "классические" вещи, созданные в русле многовековых традиций, а не радикально рвущие с ними. В этом крылся успех продажи Дрей, и этот же факт объясняет скупость коллекционеров на торгах коллекции замка Гурдон.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Леонардо из гвоздей
« Ответ #12 : Апрель 22, 2011, 00:26:59 »
http://www.kulturologia.ru/blogs/210209/10706/

Современное искусство

Портрет Леонардо да Винчи из гвоздей  |  Арт

Мы уже упоминали о художниках, рисующих простой синей ручкой, а также рассказывали о портрете Барака Обамы, сделанном из песка. Разумеется, материалов подручных еще масса, и о многом мы еще не рассказали, но сегодня мы пойдем чуть дальше шариковой ручки и песка. Художник из Тираны (Албания) Saimir Strati решил пойти другим путем. Он решил воспроизвести знаменитый автопортрет Леонардо да Винчи, но, как можно догадаться, не с помощью кистей и красок. В своей работе он использовал…гвозди! Он взял доску размерами 2x4м, 400 килограмм гвоздей (о количестве штук, жаль, не сообщается) и стал творить!
Сначала картина была просто нарисована, а затем в нее вбивались гвозди. Черты лица и тени получились благодаря тому, что гвозди вбивались под разным углом, какие-то – глубоко, другие же – нет. Подобная технология чем-то напоминает цифровую фотографию, где каждый гвоздь равен пикселу. Невероятно, но портрет действительно очень и очень похож на оригинал – взгляните на фотографии! Портрет даже попал в книгу рекордов Гиннеса, ведь это – самая огромная в мире картина, созданная, «нарисованная» гвоздями. Конечно, сказать, что работа – архисложная, значит не сказать ничего. Тут уж обычная живопись покажется просто простейшим делом. Все-таки, там можно подобрать цвет, и все зависит только от вас. Здесь же – лишь один тип материала, причем о цвете и речи не идет. Все создается за счет игры света и тени, а также глубины вбивания гвоздей.





«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
 Газета "Коммерсантъ", №175 (4716), 20.09.2011

Дырка от нолика
"Современное итальянское искусство" в Москве

http://www.kommersant.ru/doc/1776506

Выставка "Современное итальянское искусство середины ХХ века" открылась в Мультимедийном комплексе актуальных искусств. После выставки классиков "бедного искусства" из собрания музея Кастелло ди Риволи МАММ при поддержке НОВАТЭКа и Ahmad Tea показывает художников поколением старше. За нейтральным названием скрываются работы отъявленных радикалов — Лучо Фонтаны, Пьеро Мандзони и их ближайших соратников. В дырявую, как сыр "Маасдам", экспозицию всматривался ВАЛЕНТИН ДЬЯКОНОВ.


Изначально выставка, придуманная художницей Нандой Виго, должна была рассказывать о связях немецкой группы ZERO с итальянским авангардом. Но с архивом группы в Дюссельдорфе договориться не удалось. Привезли только итальянскую часть международного движения, зато много — целых три этажа. ZERO основали в 1957 году Отто Пине и Хайнц Мак, четырьмя годами позже к ним присоединился впоследствии затмивший товарищей мастер гвоздя и холста Гюнтер Юккер. "Название группы для нас не имело ничего общего с нигилизмом или шуткой вроде "дада",— писал Пине.— Слово zero означало зону тишины и шанса начать сначала, это обратный отсчет при запуске ракеты. Zero — необозримое пространство, где старое становится новым". Ракета тут не только для красного словца: идеи группы оформились на фоне очередного технического взрыва, следствием которого стали полеты в космос. Если бы ZERO доехали до СССР, самым близким художником посчитали бы Юрия Злотникова с его "Сигналами", аналогом азбуки Морзе в живописи.


Троица активно работала над распространением своих идей по всей Европе. Во Франции их единомышленником стал Ив Кляйн, изобретатель собственной модификации синего цвета. В Италии ZERO наткнулись на Пьеро Мандзони и его круг. От работ требовалось отсутствие заметного авторского вклада, всех этих мазков, манеры, изобретательности. Они должны быть просты, как пластмасса и алюминий. Философия общедоступного комфорта, обеспеченного НТР, распространялась и на искусство. Оно мимикрировало под демократичный дизайн, по очертаниям сливаясь с иллюминатором реактивного лайнера или упаковкой пищи быстрого приготовления. В общем, очередной вариант авангардной идеи о том, что искусство должно развиваться по законам жизни, а не быть идеалом красоты.


Агостино Боналуми превращал мебель в абстрактную скульптуру, обтянутую кожей, Паоло Скеджи создавал композиции из ровных отверстий, напоминающие механизмы, Нанда Виго составляла декоративные композиции из зеркал и светильников. Потоки экспериментов с железной стружкой и магнитами от Давиде Бориани украшают ныне офисы. С ZERO были связаны и итальянские кинетисты, авторы геометрических скульптур на механическом ходу, и великий без преувеличения график Бруно Мунари, чьи работы до сих пор образец для графических дизайнеров и иллюстраторов всего мира.


Международной известности и статуса классиков в итальянском ZERO добились два художника — Пьеро Мандзони и Лучо Фонтана. Рано умерший Мандзони известен работой, которая действительно сводит искусство к нулю. "Дерьму художника" на выставке отдан почетный отсек, и консервная банка гордо покоится на верхушке иссиня-черного мавзолея. Эта вещь для космогонии современного искусства значит не меньше, чем фонтан-унитаз Марселя Дюшана или "Черный квадрат" Малевича. Интересно, что два из трех произведений имеют непосредственное отношение к телесному низу (впрочем, и квадрат все-таки черный, как дыра то ли в небе, то ли в отхожем месте). Пару лет назад один коллекционер осмелился открыть принадлежащую ему банку и обнаружил там кусочки гипса вместо того, что написано на этикетке. Коварством Мандзони, помнится, возмущались не меньше, чем наглостью коллекционера, посмевшего нарушить сакральную целостность объекта. Но Мандзони ни при чем. Никто же не будет ругать мадонну Рафаэля за то, что она плоская и из краски, а не из плоти и крови.


От банки Мандзони прямая дорога к супу "Кэмпбелл" Энди Уорхола. Другие хулиганства итальянца тоже имели долгоиграющие последствия. В МАММ показывают постамент, на котором каждый желающий превращается в произведение искусства. Мандзони еще подписывал позирующих девушек в качестве своих произведений. Это точки отсчета для искусства перформанса.


Другой гений того времени, живописец Лучо Фонтана, придумал собственное направление под названием "спациализм" и стал делать разрезы на плотно натянутых холстах. Это кубизм, доведенный до логического конца: в стремлении изобразить все точки зрения на предмет Фонтана переключился на сам холст, открыв в полотне новые глубины насильственным путем. Его работы знают по картинкам все. Столкнуться с ними лицом к лицу — другое дело. Правда, лучше не на этой выставке. В темноте зала его картины блестят под направленным светом, и часть иллюзии теряется. Издалека "концепты" Фонтаны кажутся обманками, а здесь сразу понятно, что в холсте дыра. В его работах видели и насилие над искусством, и эротику подглядывания, и много чего еще. Да и сегодня порезы Фонтаны кажутся если не глубже, то изящнее, чем разного рода отверстия в работах коллег по ZERO.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
19.09.2011

Проданную за 11 миллионов картину китайского художника сочли подделкой

http://www.lenta.ru/news/2011/09/19/xu/

Группа художников в Китае оспорила авторство картины "Тело Цзян Бивэй", приписываемой китайскому художнику Сюй Бэйхуну и проданной на аукционе в июне 2010 года за 11 миллионов долларов. Как сообщает Agence France-Presse, автором картины оказался один из студентов Центральной академии изящных искусств в Пекине.
Художники утверждают, что картина была написана в 1983 году, через 30 лет после смерти Сюй Бэйхуна. Автором является один художник из этой группы, писавшей обнаженную модель во время занятий в академии.

Как отмечает агентство, группа написала открытое письмо, в котором изложила доказательства в пользу своего авторства. Так, у некоторых художников хранятся картины с этой моделью, сделанные в тот же период времени, однако с другого ракурса. Они также утверждают, что фигура натурщицы имеет характерные черты, которые нельзя спутать.

Натурщицу рисовали около 20 человек. По их словам, Сюй Бэйхун не мог написать ту же самую модель в такой же позе и колорите, что на их картинах.

Предполагалось, что картина была написана Сюй Бэйхуном для его жены, когда они были во Франции. На авторство художника ранее указывал его старший сын, пишет The China Daily. Пекинский аукционный дом Beijing Jiuge International Auction Company не смог сразу прокомментировать данную информацию.

Сюй Бэйхун (1895-1953) наиболее известен своими работами тушью. Рисунок "Скачущая лошадь", выполненный тушью, в прошлом году был продан на аукционе за 17 миллионов юаней (2,6 миллиона долларов). Сюй Бэйхун одним из первых в Китае начал писать маслом.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
http://www.rg.ru/2011/11/30/konchalovski-site.html

А.Кончаловский:

Кто-то вздохнул с облегчением, когда услышал мои слова, что писсуар Марселя Дюшана  - это не искусство, а кто-то готов поспорить с этим. Мы занимаемся дезавуацией, разрушением табу. Я, например, считаю, что весь социалистический реализм, тот, с которым так сильно боролись в свое время, сейчас является интересным искусством. Мало кто из сегодняшних художников в состоянии заниматься живописью, как занимался какой-то отчаянный соцреалист Герасимов. Попробуй, напиши так, как он написал Сталина с Ворошиловым, идущих по набережной. Оказалось, что соцреалисты обладали высокой профессией художника. Дилетантство сейчас очень быстро проникает во все сферы, потому что технологии и эстетика позволяют людям быть дилетантами и делать видео, фотографии, шоу, создавать некую концептуальность, нарисованную на мосту. Это все - поступки, но не искусство

--------------------------

Максим Кантор, художник, писатель - о кризисе современного искусства:

- В свое время, после бомбежки баскского города, Пикассо написал картину "Герника". Есть такая легенда, что, когда Пикассо жил в оккупированном Париже, к нему в мастерскую пришли гестаповцы и сказали, показывая на картину: "Это вы сделали?". На что Пикассо им ответил: "Нет, это сделали вы". Так вот теперь история совершенно обратная. Глядя вокруг, на все то, что произошло с Россией, да и в целом - с миром, люди должны повернуться к искусству и сказать: "На этот раз это сделали вы!"

Авангард раньше был искусством меньшинства (малой группы непризнанных), а стал искусством большинства (олицетворяет мнение толпы). Авангард раньше выступал за то, чтобы отказаться от всякой коммерции, теперь авангард не мыслит себя вне рынка. Авангард выступал за общество равенства, теперь он стал официальным искусством капитализма. Раньше авангард стремился к  функциональности, хотел приблизиться к жизни. Сегодня авангард сугубо декоративен. Так что следует говорить о том, что слова мы употребляем те же самые, а явления, которые они обозначают, уже совсем другие.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Как мило !

"Невидимое искусство ничего не стоит и смотреть на него никто не будет"
"Коммерсантъ FM", 22.05.2012

http://www.kommersant.ru/doc/1940667?NodesID=34

Одна из лондонских арт-галерей покажет посетителям невидимое искусство: предлагается насладиться незапятнанными белыми листами бумаги и увидеть рамы без картин. Несмотря на то, что выставляются работы Энди Уорхола и Йоко Оно, эксперты успеха выставке не предрекают.

В Лондоне открывается выставка невидимых произведений искусства. Среди экспонатов — пустые рамы, чистые листы бумаги и постаменты, на которых ничего не стоит. Авторами работ являются знаменитые художники, в том числе Энди Уорхол, Йоко Оно и родоначальник невидимого искусства Ив Кляйн. В экспозицию входят объекты, созданные за последние полвека. Стоимость билета — 8 фунтов стерлингов. Подобное творчество — мистификация в духе "голого короля", считает арт-обозреватель "Коммерсантъ FM" Дмитрий Буткевич.

"Что касается самой идеи, она не нова, это уже делалось: рама, под которой чистая стена или какое-то иное чистое пространство. Невидимое искусство ничего не стоит и, в общем-то, наверное, смотреть никто не будет. Я так к этому отношусь. Вообще, все это напоминает очень модное сейчас направление, которое великолепно олицетворяет Дэмьен Херст, его, наверное, можно назвать коммерческим искусством. Когда еще к тому же художник сам себя промоутирует, это совершенно в его стиле — выставлять колбы, наполненные воздухом, или заспиртовывать акулу и класть ее в формальдегид, то есть как бы использовать те вещи, которые созданы не воображением человека, а какие-то материальные или даже, как в данном случае, совершенно нематериальные вещи. Хотя, конечно, как отличить одну работу от другой работы непохожего на него автора, я, честно говоря, не представляю себе", — говорит он.

Выставка пройдет в лондонской галерее Хейворд с 12 июня по 5 августа.

Один из главных экспонатов выставки — постамент, на который когда-то ступал Энди Уорхол. Это даст возможность посетителям почувствовать ауру знаменитого художника. На выставке будут две работы американского концептуалиста Тома Фридмена. Первая из них называется "Тысяча часов созерцания". Это чистый лист бумаги, который художник рассматривал в течение пяти лет.

Вторая работа – "Проклятие" — представляет из себя пустую раму. По словам Фридмена, пространство в ней проклято ведьмой. В экспозицию входит работа Джеппа Хайна "Невидимый лабиринт". Посетители идут по нему, следуя указаниям в наушниках. Как только они натыкаются на невидимую стену, устройство вибрирует. Также в галерее выставят фильм Джей Чанга, на который он потратил два года. Правда, режиссер снимал его на камеру, в которой нет пленки.

Один из немногих объектов, которые посетители все же смогут увидеть, — отчет итальянских полицейских. Они выдали его художнику Маурицио Кателлану, когда тот заявил о краже невидимой скульптуры из машины. По словам пострадавшего, преступление произошло в Милане.

По словам директора портала ARTinvestment Константина Бабулина, выставка наверняка будет пользоваться популярностью.

"Современное искусство — это вообще искусство смыслов, искусство идей. В данном случае выбрано понятие "пустота", и идет обыгрывание смыслов. Главное, что такие вещи вызывают интерес у молодежи, а если мы посмотрим современное искусство, кто основной потребитель? Это, в основном, молодые люди в возрасте от 18 до 25 лет. Почему фотография привлекает их? Потому что им интересны новые формы подачи. В данном случае это стопроцентно новая форма подачи, и эта публика придет. Если будут известные имена типа Уорхола или Херста, подтянутся и все остальные. Идея интересная и, в общем, может получиться", — говорит он.

В Нью-Йорке существует Музей невидимого искусства. Неразличимые глазу работы можно приобрести по цене от $20 до $10 тыс. Лучше всего продаются воображаемый глоток чистого воздуха и описание неснятого фильма "Красные листья".
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
08.10.2012
В лондонской галерее вандал повредил картину Марка Ротко

http://lenta.ru/news/2012/10/08/rothko1/

В лондонской галерее Tate Modern 7 октября вандал повредил картину американского художника-абстракциониста Марка Ротко, сообщает Reuters.
Посетитель галереи, имя которого не сообщается, изрисовал черным маркером одну из картин так называемого "сиграмовского цикла" ("Seagram murals"). Этот цикл, состоящий из 15 полотен, художник выполнил в 1950-х годах для здания компании Seagram's на Манхэттене, однако позже разорвал контракт с компанией и выставил картины в нескольких галереях мира. Три картины из цикла находятся в галерее Tate Modern в Лондоне.
По словам другого посетителя выставки, который стал свидетелем инцидента, вандал в течение некоторого времени сидел на скамейке перед картиной, после чего внезапно подошел к полотну и изрисовал его маркером. Затем мужчина покинул галерею. В настоящее время полиция занимается его поисками.
Марк Ротко, один из самых известных представителей абстрактного экспрессионизма, родился в России в 1903 году. В возрасте десяти лет он вместе с семьей эмигрировал в США. Отличительной чертой его стиля является сочетание больших плоскостей однородных цветов - так называемая живопись цветового поля. В 1970 году художник умер в Нью-Йорке.
Ротко считается одним из самых дорогих художников. Так, в мае 2012 года его картина "Оранжевое, красное, желтое" ("Orange, red, yellow") была продана в Нью-Йорке за 86,9 миллиона долларов.

---------------------

08.10.2012

Напавшим на картину Ротко вандалом оказался художник из России

http://www.lenta.ru/news/2012/10/08/umanets/



Вандалом, оставившим надписи на картине Марка Ротко "Черное на темно-красном" (Black on Maroon, 1958 год) в галерее Tate Modern, оказался художник из России, который именует себя Владимиром Уманцем. Об этом пишет газета The Guardian, которая связалась с ним по телефону.
Уманец повредил картину американского художника-абстракциониста Марка Ротко в воскресенье, 7 октября. Как сообщали свидетели его действий, сначала он некоторое время посидел на лавочке напротив картины, после чего подошел к произведению искусства и оставил несколько надписей, сделанных черным маркером или черной краской, в правом нижнем углу картины. Затем вандал покинул музей, полиция же сразу не смогла его отыскать.
Уманец написал на картине следующее "Владимир Уманец, 12. Потенциальное произведение йеллоуизма" ("Vladimir Umanets, A Potential Piece of Yellowism"). В интернете поиск по запросу yellowism ("желтизна") выдает сайт одноименного художественного движения, организованного двумя людьми, одним из которых и является Владимир Уманец, второго человека зовут Марчин Лодыга. На этом сайте сообщается, что "желтизна не является ни искусством, ни антиискусством, а контекст, в котором существуют произведения искусства, уже искусство. Контекст желтизны также желтизна". Контакты Уманца зарубежные средства массовой информации и нашли на сайте "желтизны".
В интервью The Guardian вандал заявил, что понимает, что его арестуют, однако, по его мнению, он не сделал ничего незаконного. Уманец сообщил, что ничего не уничтожил и не украл, отметив, что и Марсель Дюшан, как и Дэмиен Херст также подписывали произведения, которые им не принадлежали.
Кроме того, художник выразил уверенность, что стоимость картины с его подписью через несколько лет будет заметно дороже, нежели без нее, и посоветовал не реставрировать произведение. Художник признал, что пытался привлечь внимание к "желтизне".
По данным газеты The Evening Srtandard, у Владимира Уманца, который несколько лет назад приехал в Лондон, нет постоянного места жительства и он беден.
Картину "Черное на темно-красном", которая оценивается в 80 миллионов долларов, Tate Modern подарил сам Марк Ротко. Полотно входит в так называемый "сиграмовский цикл" ("Seagram murals") работ, которые были сделаны в 1950-х годах для здания компании Seagram's на Манхэттене, однако в итоге художник подарил их в несколько галерей.
Марк Ротко, один из крупнейших послевоенных художников в мире, также является одним из самых дорогих мастеров на сегодняшний день. Весной 2012 года его картина "Оранжевое, красное, желтое" ("Orange, red, yellow") была продана в Нью-Йорке за 86,9 миллиона долларов.
В 1997 году подобную акцию провел другой российский художник в Стедейлик-музее в Амстердаме. Представитель московского акционизма Александр Бренер изобразил на картине Казимира Малевича "Супрематизм" знак доллара, после чего провел пять месяцев в тюрьме.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Вандалом, оставившим надписи на картине Марка Ротко "Черное на темно-красном" (Black on Maroon, 1958 год) в галерее Tate Modern, оказался художник из России, который именует себя Владимиром Уманцем

Я просто хохотал, когда читал это !
"Вандал" !
Можно ли назвать "вандалом" того, кто ещё больше намусорит в куче мусора, подкинув в неё какое-то своё барахло ? Мир сошёл с ума: за это барахло такие миллионы отваливают ? На чём держится этот "рынок живописи" ? Это же какой-то мыльный пузьрь !
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн oleander

  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 1 162
  • Опера "Дракула"
    • Опера "Дракула"
Большое спасибо за статью Кантора. Чем больше таких смелых и честных голосов буде звучать, тем быстрее в общество придет осознание того, насколько неприлично и жалко выглядит не только сам Голый Король, но и те, кто ему рукоплещут.
Реставрирую оперный жанр. ))
https://www.facebook.com/andr.tikhomirov

Оффлайн oleander

  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 1 162
  • Опера "Дракула"
    • Опера "Дракула"
Из другой статьи того же автора:
"...авангард есть агитатор, который оформит любой парад. Вам никогда не приходило в голову, что один и тот же продукт авангарда с равным успехом декорировал фашизм и коммунизм? Конечно, можно найти общие черты у Сталина и Гитлера — но сегодня тот же самый авангард декорирует уже капитализм и рыночную экономику. Это точно тот же самый авангард, это тот же лакей, это те же квадратики он нарисовал. Сгодится в любую витрину, на любой парад. Авангард по самой сути своей — паразит, он питается чужой жизнью; авангард — вампир, он оживает от чужой крови."
Реставрирую оперный жанр. ))
https://www.facebook.com/andr.tikhomirov

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Уборщица приняла за мусор инсталляции за €10 000
21 февраля 2014

http://afisha.mail.ru/exhibition/news/42286/

Женщина выбросила две инсталляции из картона и бумаги, представленные в выставочном зале одной из галерей в Италии

Уборщица в музее итальянского города Бари случайно выбросила предметы современного искусства на сумму €10 000, сообщают итальянские СМИ. Женщина приняла за мусор две инсталляции из картона и бумаги, представленные в выставочном зале Murat в городской галерее.
По словам руководителя фирмы по уборке помещений, в которой трудилась женщина, она лишь выполняла свою работу. Он выразил свои извинения в связи с недоразумением, «которое произошло впервые», и сообщил о готовности полностью выплатить сумму, на которую были застрахованы уничтоженные предметы искусства.

В свою очередь, в руководстве коммуны Бари отметили, что вина за случившееся лежит на самих художниках, которые должны четче доносить до зрителей смысл своих произведений.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн Predlogoff

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 27 237
  • (1962—2014)
Женщина приняла за мусор две инсталляции из картона и бумаги, представленные в выставочном зале Murat в городской галерее

Надо же: уборщица неплохо разбирается в искусстве! :)) По крайней мере она правильно определяет, где искусство, а где мусор, и выкидывает его на помойку.
Мне кажется, та же социальная группа неплохо разбирается также и в современной музыке.
«Когда теория совпадает с экспериментом, это уже не "открытие", а "закрытие"» (c) П.Л.Капица

Оффлайн rpb

  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 3 438
Культ урны
«Лента.ру» предлагает читателям отличить искусство от мусора

http://lenta.ru/photo/2014/02/21/trashart/#0

Прелесть! Особенно последнее фото!

regards

  • Гость
Не вмешиваясь, просто предупрежу, что Максим Кантор - очень противоречивая личность, я наблюдал его в сильных проявлениях на снобе, видел интервью с Познером. Многое из того, что он говорит, может иметь непредсказуемое значение, как непредсказуема история России.

Оффлайн Papataci

  • Модератор
  • Народный участник
  • *****
  • Сообщений: 15 628
  • ClassicalForum. Форум Валентина Предлогова
    • ClassicalForum. Форум Валентина Предлогова
Михаил Пиотровский: «Я уверен, что, с одной стороны, искусство должно успокаивать души, а с другой – будоражить».
 
Генеральный директор Эрмитажа и председатель Экспертного совета премии «Эксперт года – 2016» Михаил Пиотровский накануне мероприятия рассказал «Эксперту С-З» о языке современного искусства, петербургском «занудстве», расширении Эрмитажа и необходимости музеев зарабатывать

...

Провоцировать на хорошее
 
– Уже несколько месяцев в Эрмитаже проходит выставка Яна Фабра, вызвавшая неоднозначную реакцию общества. Означает ли это, что Эрмитаж не возражает против провокационных проектов?
 
– В искусстве всегда есть элемент провокации. Но его надо тщательно рассчитывать. Провокация – это когда ты заставляешь кого-то сделать то, что он делать не собирался, что-то плохое или хорошее. Так вот, провоцируя, вы должны быть уверены, что акцентируете внимание человека именно на хорошем, сподвигаете его на правильные поступки.
 
Эрмитаж постоянно работает с современным искусством. К нему, в принципе, есть два подхода. Один гласит, что современное искусство – это нечто особенное, необыкновенное, другой язык, который никто, кроме посвященных, не понимает. Но мы – сторонники второго и пытаемся разъяснить окружающим, что на самом деле никакой особой разницы между современным и классическим искусством нет. Язык первобытной культуры значительно больше отличается от классики, чем современное искусство. Кроме того, вспомните, ведь раньше люди просто не могли смотреть ни на Матисса, ни на Пикассо, а теперь спокойно проходят мимо их работ. Музей должен возбуждать у людей что-то, кроме удовольствия, обращать внимание на какие-то особые вещи, напоминать о чем-то глубоком.

http://expertnw.ru/Business-panorama/duh-muzeya
Che mai sento!